sábado, 24 de junio de 2017

Aniversarios (CLXXXIII) [Junio / June 18-24]

Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Junio aquí / All anniversaries for June here.
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El 18 de Junio es el cumple de

Leo Putz, pintor tirolés nacido en 1869 en Merano. Su obra abarca el Arte Nouveau, el Impresionismo y los inicios del Expresionismo. Figuras, desnudos y paisajes son sus temas predominantes.

"Hinter des Kulissen / Detrás de la escena / Behind the Scenes"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 207 x 226 cm., 1905. Sotheby's

Comenzó sus estudios a los dieciséis años en la Academia de Bellas Artes de Munich, donde estudió con el pintor de temas históricos Gabriel von Hackl. Convencido de que tenía gran talento, su padre lo envió a la Académie Julian en París. Después del servicio militar regresó a Munich y estudió con Paul Hoecker. Abrió su primer estudio en 1897. Ese mismo año se convirtió en miembro de la Secesión de Munich. Trabajó con la revista semanal Jugend y muchas de sus pinturas fueron reproducidas en la página de títulos de la revista. Durante este tiempo también trabajó como artista comercial, creando muchos carteles en estilo Art Nouveau y carteles para la Moderne Galerie München.

"Tico Mewes", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 53 x 44,5 cm., 1912. Sotheby's

La Staatsgalerie Dresden y la Neue Königliche Pinakothek adquirieron muchas de sus obras en 1903. Se convirtió en ciudadano honorario de Baviera en 1909, un requisito previo para convertirse en profesor, para lo que fue citado ese mismo año. Entre 1909 y 1914 pasó sus veranos en Schloss Hartmannsberg, cerca de Chiemgau, para practicar la pintura al aire libre. Mientras estuvo allí tuvo varios estudiantes, entre ellos el estadounidense Edward Cucuel. También fue allí donde creó sus obras más conocidas: las dos series conocidas como las "Cuadros de botes" y las "Bañistas". En ambas se centró en retratar jóvenes y hermosas mujeres, que es una característica prominente de su trabajo temprano. En 1913 se casó con la paisajista Frieda Blell. Se trasladó a Gauting en 1922, donde construyó una casa, comprando los materiales de construcción con el producto de la venta de sus pinturas.

"Reigen / La danza / The Dance", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 123 x 160 cm. Sotheby's

"Waldesruhe / Calma del bosque / Forest Calm", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 69 x 76,5 cm. Sotheby's

Él y su familia aceptaron una invitación para mudarse a Brasil en 1929. A petición de Lúcio Costa, tomó una cátedra en la Escuela Nacional de Bellas Artes en 1931. Allí dio conferencias sobre composición y tomó varios estudiantes, incluyendo el arquitecto paisajista Roberto Burle Marx. Durante su estancia, sus colores tomaron un sabor más tropical y la (para él) la vida vegetal exótica se convirtió en un tema favorito. A menudo viajaba a áreas remotas en mula en busca de inspiración. Regresó a Alemania en 1933. Una selección de sus obras sudamericanas fue el foco de una exposición en Munich en 1935. Leo Putz está representado con dos dibujos de escenas de Rio de Janeiro en la colección del Museu de Arte do Rio (MAR), Un regalo de Fundo Z.
Se convirtió en un oponente del nacionalsocialismo y su arte fue etiquetado como "degenerado". A partir de 1936 fue interrogado repetidamente por la Gestapo y se vio obligado a huir de regreso a su región natal, el Tirol del Sur. En 1937 se le prohibió oficialmente trabajar en Alemania. Durante el resto de su vida se concentró en pintar castillos, pueblos y paisajes amables.
Murió en 1940.

"Im Kahn / Bote de remos / Rowboat", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,5 x 91,5 cm. Sotheby's


El 19 de Junio es el cumple de

Bryan Kneale, artista y escultor de la Isla de Man nacido en la capital, Douglas, en 1930.
Estudió pintura en la Escuela de Arte de Douglas, de donde se graduó en 1947, y luego se trasladó a Londres para estudiar en las Escuelas de la Real Academia. En 1948 ganó el Premio de Roma y pasó algún tiempo viviendo en Italia. Durante la década de 1950 aprendió a soldar, y en 1960 tomó la escultura en lugar de la pintura, convirtiéndose en un maestro.

"La monja / The Nun", óleo sobre panel / oil on board, 68 x 73,5 cm., 1958. Invaluable

Ha enseñado en el Colegio de Arte y Diseño de Hornsey, y desde 1963 hasta su retiro de la enseñanza en 1995 enseñó escultura en el Royal College of Art. También fue maestro y más tarde profesor de Escultura en la Real Academia entre 1982 y 1990. Además de enseñar, se han celebrado numerosas exposiciones de su propio trabajo de pintura y escultura desde 1953, y sus obras se exhiben en países como Australia, Brasil, Nueva Zelanda y Estados Unidos, donde el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York incluye ejemplos de su obra entre sus colecciones públicas.

Triton III (Artsy)

Triton III (2)
El escultor Bryan Kneale posa con su instalación escultórica Tritón III, en el patio Annenberg de la Real Academia de las Artes el 18 de mayo de 2009, en Londres, Inglaterra /
Sculptor Bryan Kneale poses with his sculptural installation, "Triton III" in the Annenberg Courtyard of the Royal Academy of Arts on May 18, 2009 in London, England, 2009. Zimbio

Fue galardonado con un Premio Leverhulme Trust en 1952, así como el premio Daily Express Young Pintores (1955) y un Arts Council Purchase Award (1969). Después de una exitosa exposición en solitario en la Galería Whitechapel en 1966, Kneale se convirtió en el primer escultor abstracto elegido como Real Académico en 1974. Sólo aceptó el honor con la condición de que le permitieran curar un espectáculo de escultura contemporánea que resultó en un visión innovadora de algunos de los escultores más interesantes del período.

"Sir Michael Redgrave (1908–1985), como / as Hamlet, Stratford (de / from 'Hamlet')"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 152,5 x 101,5 cm., 1958. ArtUK

"Autorretrato / Self Portrait", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 126,7 x 101,7 cm., 1955
Royal Albert Memorial Museum (Exeter, Reino Unido / UK). ArtUK

Kneale es el hermano menor del guionista Nigel Kneale (1922-2006), más conocido por sus series de televisión Quatermass. Kneale ilustró las portadas de los lanzamientos de Penguin Books de los guiones de Quatermass de su hermano mayor en 1960. También fue responsable de una pintura de una langosta de la cual los diseñadores de efectos especiales de la BBC Bernard Wilkie y Jack Kine se inspiraron en las criaturas marcianas que construyeron para "Quatermass y el hoyo" (1958-59).
Actualmente vive en Londres.

"Charles Laughton (1899–1962)", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 103,5 x 78,1 cm., 1958-59
Nottingham Castle Museum and Art Gallery (Nottingham, Reino Unido / UK). ArtUK


El 20 de Junio es el cumple de

Konstantin Yegorovich Makovsky (Константин Егорович Маковский), pintor ruso nacido en Moscú el 20 de junio [Calendario juliano, 2 de julio] 1839.

"Боярский свадебный пир / Un banquete de bodas boyardo / A Boyar Wedding Feast"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 240 x 390 cm., 1883. Google Art Project
Hillwood Estate, Museum & Gardens (Washington, EE.UU./ USA)

Muchas de sus pinturas históricas, tales como "El traje de la novia rusa" (1889), mostraron una visión idealizada de la vida rusa de siglos pasados. A menudo es considerado un representante del arte académico.
En 1851 Makovsky entró en la Escuela de Moscú de Pintura, Escultura y Arquitectura, donde se convirtió en el mejor estudiante, obteniendo fácilmente todos los premios disponibles. Sus profesores eran Karl Bryullov y Vasily Tropinin. Las inclinaciones de Makovsky al romanticismo y los efectos decorativos pueden explicarse por la influencia de Bryullov.

"Поцелуйный обряд / El ritual del beso / Kissing Custom"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1895
Museo Estatal Ruso (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia). Wikimedia Commons

Aunque el arte era su pasión, también consideró lo que su madre quería que hiciera. Se fue a buscar compositores que le sirvieran de referencia, yendo primero a Francia. Siempre había sido un amante de la música clásica y escuchado muchas piezas. A menudo deseaba poder cambiar la melodía o el estilo de algunos de ellos para hacerlos más agradables. Más tarde en su vida esto se hizo realidad.
En 1858 Makovsky entró en la Academia Imperial de Artes en San Petersburgo. A partir de 1860 participó en las exposiciones de la Academia con pinturas como "Curación de los Ciegos" (1860) y "Agentes del Falso Dmitry matan al hijo de Boris Godunov" (1862). En 1863 Makovsky y otros trece estudiantes realizaron una protesta contra el establecimiento por parte de la Academia de temas de la mitología escandinava en la competición para la Gran medalla de oro grande de la Academia. Todos dejaron la academia sin un diploma formal.

"Под венец / El traje de la novia rusa / The Russian Bride's Attire"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1884
Museo Sérpujov de Arte e Historia (Serpújov, Rusia / Russia). The Athenaeum

Makovsky se convirtió en miembro de una cooperativa (artel) de artistas dirigida por Ivan Kramskoi, produciendo las típicas pinturas de los Wanderers de la vida cotidiana (Viuda, 1865, Vendedores de arenques, 1867, etc.). Desde 1870 fue miembro fundador de la Society for Traveling Art Exhibitions y continuó trabajando en pinturas dedicadas a la vida cotidiana.
Un cambio significativo en su estilo ocurrió después de viajar a Egipto y Serbia a mediados de 1870s. Sus intereses pasaron de los problemas sociales y psicológicos a problemas artísticos del color y la forma.

"Flores / Flowers", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1884
Museo Estatal Ruso (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia). The Athenaeum

En la década de 1880 se convirtió en un autor de moda de retratos y pinturas históricas. En la Feria Mundial de 1889 en París recibió la Gran Medalla de Oro por sus cuadros "Muerte de Iván el Terrible", "El Juicio de París", y "El Demonio y Tamara". Fue uno de los artistas rusos más apreciados y muy bien pagado en su época. Muchos críticos democráticos lo consideraron un renegado de los ideales de los Wanderers, produciendo (como Henryk Siemiradzki) trabajos llamativos pero superficiales, mientras que otros lo ven como un precursor del Impresionismo ruso.
Makovsky fue asesinado en 1915 cuando su carro tirado por caballos fue golpeado por un tranvía eléctrico en San Petersburgo.

"Школав Каире / Escuela en El Cairo / School in Cairo"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 77 x 112 cm. Colección privada / Private Collection. The Athenaeum


El 21 de Junio es el cumple de

Henry Ossawa Tanner, artista estadounidense nacido en 1859, el primer pintor afroamericano en ganar aclamación internacional.

"Hilando a la luz de la hoguera - La infancia de George Washington /
Spinning By Firelight - The Boyhood of George Washington"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 118,1 x 168,9 cm., 1894. Wikipedia

Tanner se trasladó a París en 1891 para estudiar, y allí continuó viviendo después de ser aceptado en los círculos artísticos franceses. Su pintura titulada "Daniel en la guarida de los Leones" fue aceptada en el Salón de 1896, la exposición oficial de arte de la Académie des Beaux-Arts en París.
Después de sus estudios autodidactas de joven, Tanner se inscribió en 1879 en la Academia de Bellas Artes en Filadelfia en Pensilvania. Siendo el único estudiante negro, se convirtió en favorito del pintor Thomas Eakins, que había comenzado recientemente a enseñar allí. Tanner hizo otras conexiones entre artistas, incluyendo a Robert Henri. A finales de la década de 1890 fue patrocinado para un viaje a Palestina por Rodman Wanamaker, que quedó impresionado por sus pinturas de temas bíblicos.

"El arco / The Arch", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 99,7 x 97 cm., 1919. 
Brooklyn Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Tanner es a menudo considerado como un pintor realista, centrándose en representaciones precisas de los sujetos. Mientras que las obras como "La lección de banjo" se referían a la vida cotidiana como un afroamericano, Tanner posteriormente pintó temas basados ​​en temas religiosos, por los que ahora es más conocido. Es probable que el padre de Tanner, un ministro de la Iglesia Episcopal Metodista Africana, fuera una influencia formativa para él.

"La lección de banjo / The Banjo Lesson", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 124,5 × 90,2 cm., 1893
Hampton University Museum (Virginia, EE.UU./ USA). Wikimedia Commons

La obra de Tanner no se limita a un enfoque específico de la pintura y el dibujo. Sus obras varían desde la atención meticulosa a los detalles en algunas pinturas, a pinceladas sueltas y expresivas en otras. A menudo ambos métodos se emplean simultáneamente. La combinación de estas dos técnicas contribuye a un equilibrio magistral entre la hábil precisión y una expresión de gran alcance. Tanner también estaba interesado en los efectos que el color tenía en una pintura. Muchas de sus pinturas acentúan un área específica del espectro de color.
Murió en 1937.

"Daniel en al guarida de los leones / Daniel in the Lions' Den"
Óleo sobre papel, montado sobre lienzo / oil on paper mounted on canvas, 104,46 x 126,8 cm., 1907-18
Los Angeles County Museum of Art (California, EE.UU./ CA, USA)


El 22 de Junio es el cumple de

Wangechi Mutu, artista y escultora nacida en Nairobi, Kenya, en 1972, que vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Mutu es considerada por muchos como una de las artistas africanas contemporáneas más importantes de los últimos años.

"Árbol de familia / Family Tree", collage de técnica mixta sobre papel /
mixed-media collage on paper, 41,28 x 31,12 cm., 2012. Suite of 13
Nasher Museum of Art at Duke University (Durham, Carolina del Norte, EE.UU./ NC, USA)

Fue educada en el convento de Loreto Msongari (1978-1989) y más tarde estudió en el United World College del Atlántico, Gales (I.B., 1991). Mutu se trasladó a Nueva York en la década de 1990, centrándose en Bellas Artes y Antropología en la New School for Social Research y la Parsons School of Art and Design. Consiguió una licenciatura en bellas artes de Cooper Unión para el Avance de las Artes y la Ciencia en 1996, y luego recibió una maestría en escultura de la Universidad de Yale en el año 2000.

"Pequeñas e imperdonables jerarquías erróneas / Misguided Little Unforgivable Hierarchies"
Tinta, acrílico, collage y papel adhesivo sobre Mylar /
ink, acrylic, collage, and contact paper on Mylar, 205,74 x 132,08 cm., 2005. Nasher
San Francisco Museum of Modern Art (California, EE.UU./ CA, USA). 

Su primera exposición individual en un importante museo norteamericano se inauguró en la Galería de Arte de Ontario en marzo de 2010. Su primera exposición individual en Estados Unidos, "Wangechi Mutu: Un fantástico viaje en Estados Unidos", se inauguró en el Nasher Museum of Art el 21 de marzo de 2013. "Un viaje fantástico" posteriormente pasó al centro de Elizabeth A. Sackler del museo de Brooklyn para el arte feminista en octubre de 2013.
El 23 de febrero de 2010, Wangechi Mutu fue honrada por el Deutsche Bank como su primera "Artista del Año". El premio incluyó una exposición individual en el Deutsche Guggenheim de Berlín. Titulada "My Dirty Little Heaven", la muestra viajó en junio de 2010 al Wiels Center for Contemporary Art en Forest, Bélgica.

"Delicioso y divertido campo frutal / Funkalicious Fruit Field"
Tinta, pintura, técnica mixta, perlas de plástico y collage sobre Mylar /
ink, paint, mixed media, plastic pearls, and collage on Mylar, 233,7 x 269,24 cm., 2007
Colección / Collection Glenn Scott Wright (Londres / London). Nasher

La obra de Wangechi Mutu abarca una variedad de medios, incluyendo collage, video, performance y escultura, e investiga temas de género, raza y colonialismo. Un tema recurrente del trabajo de Mutu son sus diversas representaciones de la feminidad. Mutu utiliza el tema femenino en su arte, incluso cuando las figuras son más o menos irreconocibles, ya sea utilizando la propia forma o la textura y los patrones a partir de los cuales está hecha la figura. Su uso de representaciones etéreas para las mujeres, muchas veces mostradas en una pose aparentemente sexual o sensual, lleva a discusión sobre la objetivación de las mujeres. En concreto, Mutu se ocupa de la hiper-objetificación de los cuerpos femeninos negros y ha utilizado una naturaleza etérea para reiterar la naturaleza ficticia de las representaciones de las mujeres negras en la sociedad.
La obra de Mutu ha sido expuesta en galerías y museos de todo el mundo.

"La novia que se casó con una cabeza de camello / The Bride Who Married a Camel's Head"
Técnica mixta sobre Mylar / mixed media on Mylar, 106,68 x 76,20 cm., 2009
Colección / Collection Deutsche Bank (Alemania / Germany)

Wangechi Mutu en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (XXVII)]


El 23 de Junio es el cumple de

Robert Hermann Sterl, pintor y artista gráfico alemán nacido en 1867 en Großdobritz, ahora parte de Dresde.

"Sensendengler in Wittenborn", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 45 x 57,5 cm., 1901. Wikimedia Commons

Era hijo de un cantero. De 1881 a 1888 asistió a la Academia de Bellas Artes de Dresden, donde estudió con Leon Pohle y Julius Scholtz, convirtiéndose más tarde en estudiante del maestro Ferdinand Pauwels. Una estancia en la colonia de artistas en Goppeln cerca de Bannewitz le introdujo en el impresionismo y la pintura al aire libre.

"Erntetrunk", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 57 × 44,5 cm., 1903. Wikimedia Commons

Después de salir del estudio de Pauwels, trabajó como paisajista y retratista y, hasta 1904, operó una escuela privada de pintura para mujeres. En 1893, se convirtió en uno de los miembros fundadores de la Secesión de Dresde. Fue nombrado profesor en la Academia en 1906, donde enseñó hasta 1931, y se convirtió en miembro asociado de la Secesión de Berlín en 1909. De 1913 a 1930, fue miembro de la Dresdner Galeriekommission y, a partir de 1920, tuvo un asiento En la Junta Consultiva de la Galería, cuyas posiciones le permitieron ayudar a los jóvenes artistas. Cuando Gotthardt Kuehl murió en 1915, Sterl se hizo cargo de su Master Class. Durante la Primera Guerra Mundial, trabajó como pintor de guerra, en el Frente Occidental en 1915 y el frente sur en los Dolomitas en 1917. Después de la guerra, compró una casa en Struppen y construyó un estudio espacioso allí.

"Steinmetzen beim Quadern im Bruch / Canteros en la cantera partiendo bloques /
Stonemasons in the quarrying breaking blocks"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 23,4 × 30 cm. Wikimedia Commons

Además del tema impresionista habitual, pintó músicos y obreros, especialmente canteros. Era simpático a las causas liberales, produciendo muchas obras socialmente conscientes; Algunos de los cuales se establecen en Rusia, donde había viajado brevemente antes de la guerra. Dos de sus pinturas fueron etiquetadas "arte degenerado" en 1937 y quitado de la galería Neue Meister. Durante los años de la RDA, sus obras fueron elogiadas por algunas de las mismas razones por las que los nazis los habían condenado.

Estudio para "Los picapedreros" / Study for "The Stone breakers"
Óleo sobre panel / oil on panel, 23 x 31 cm., 1912. Wikimedia Commons

Murió después de una larga enfermedad y fue enterrado en su casa, legando sus propiedades a la Academia con el propósito de descubrir y promover nuevos artistas. La "Fundación Robert y Helene Sterl" fue creada justo antes de su muerte en 1931 y, desde 1981, la casa ha sido operada como un museo y centro de investigación. A partir de 1997, la Fundación y organizaciones afines han otorgado el "Premio Robert Sterl" a un estudiante de maestría en la Academia. El premio incluye 3.000 € y una exposición en el museo.
Murió en 1932.

"Die Steinbrecher / Los picapedreros / The Stone Breakers"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 126 × 105,8 cm., 1911
Museum der bildenden Künste (Leipzig, Alemania / Germany). Wikimedia Commons


Hoy, 24 de Junio, es el cumple de

Igor Filippov, pintor de Sebastopol, Ucrania, nacido en 1961.

"Gorgona", 2013

"Los hipocampos / The Sea Horses", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 19,75" x 31,5", 2008

Filippov ha expuesto sus obras en muchos museos y festivales de Europa (Rusia, Ucrania, Noruega, España, Reino Unido, Francia) y Estados Unidos. También fue profesor de arte en la Escuela Municipal de Arte de Severodvinsk, Rusia (1990-2003). El tema general de su obra es "los mitos de diferentes culturas".

"El minotauro / The Minotaur", 2013

"El sueño de la Quimera / The Dream of Chimera", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 60 сm., 2010

Carrera
Escuela de Arte en la Universidad de Educación, San Petersburgo, Rusia, 1986-1991, Máster en Bellas Artes
Estudio Municipal de Arte, Severodvinsk, Rusia (1990-2003)
Unión de las Artes de Rusia (2000)
Miembro de la Asociación Internacional de Arte (2000)
Asociación Internacional de Artes Plásticas-IAA AIAP UNESCO (2000)

"La esfingre / The Sphinx", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 15,75" x 27,5", 2008


Textos en inglés / English translation

On June 18 is the birthday of

Leo Putz, Tyrolean painter born in 1869 in Merano. His work encompasses Art Nouveau, Impressionism and the beginnings of Expressionism. Figures, nudes and landscapes are his predominant subjects.
He began his studies at the age of sixteen at the Academy of Fine Arts Munich, where he studied with the history painter Gabriel von Hackl. Convinced that he had great talent, his father sent him to the Académie Julian in Paris. After military service, he returned to Munich and studied with Paul Hoecker. He opened his first studio in 1897. That same year, he became a member of the Munich Secession. He worked with the weekly magazine Jugend and many of his paintings were reproduced on the magazine's title page. During this time, he also worked as a commercial artist, creating many posters in Art Nouveau style and billboards for the Moderne Galerie München.
The Staatsgalerie Dresden and the Neue Königliche Pinakothek acquired many of his works in 1903. He became an honorary citizen of Bavaria in 1909; a prerequisite for becoming a Professor, which appointment he received that same year. Between 1909 and 1914, he spent his summers at Schloss Hartmannsberg near Chiemgau to practice plein-air painting. While there, he took on several students, among them the American artist Edward Cucuel. It was also there that he created his best-known works; the two series known as the "Boat Pictures" and the "Bathers". In both, he focused on portraying beautiful young women, which is a prominent feature of his early work. In 1913, he married the landscape painter Frieda Blell. He relocated to Gauting in 1922, where he built a house; trading his paintings for building materials. 
He and his family accepted an invitation to move to Brazil in 1929. At the request of Lúcio Costa, he took a professorship at the Escola Nacional de Belas Artes in 1931. There, he gave lectures on composition and took on several students, including the landscape architect Roberto Burle Marx. During his stay, his colors took on a more tropical flavor and the (for him) exotic plant life became a favorite subject. He would often travel to remote areas on muleback in search of inspiration. He returned to Germany in 1933. A selection of his South American works was the focus of an exhibition in Munich in 1935. Leo Putz is represented with two drawing of scenes do Rio de Janeiro in the collection of the Museu de Arte do Rio (MAR), a gift of Fundo Z.
He became an opponent of National Socialism and his art was labelled "degenerate". Beginning in 1936, he was repeatedly interrogated by the Gestapo and was forced to flee back to his native region, the South Tyrol. In 1937, he was officially banned from working in Germany. For the remainder of his life, he concentrated on painting castles, villages and benign landscapes.
He died in 1940.

On June 19 is the birthday of

Bryan Kneale, a Manx artist and sculptor born in island's capital, Douglas, in 1930.
He studied painting at the Douglas School of Art, from which he graduated in 1947, and then moved to London, to study at the Royal Academy Schools. In 1948, he won the Rome Prize and spent some time living in Italy. During the 1950s, he learned welding, and in 1960 took to sculpture in preference to painting, and became a teacher. 
He has taught at Hornsey College of Art and Design, and from 1963 until his retirement from teaching in 1995 he taught sculpture at the Royal College of Art. He was also Master and later Professor of Sculpture at the Royal Academy between 1982 and 1990. In addition to his teaching, numerous exhibitions of his own painting and sculpture work have been held since 1953, and his works are displayed in countries such as Australia, Brazil, New Zealand and the United States. In the USA, the Museum of Modern Art in New York City includes examples of his work amongst its public collections.
He was awarded a Leverhulme Trust Prize in 1952, as well as the Daily Express Young Painters' Prize (1955) and an Arts Council Purchase Award (1969). After a successful solo show at the Whitechapel Gallery in 1966, Kneale became the first abstract sculptor to be elected a Royal Academician in 1974. He accepted the honour only on the condition that he be allowed to curate a show of contemporary sculpture which resulted in a groundbreaking survey of some of the period's most exciting sculptors.
Kneale is the younger brother of the screenwriter Nigel Kneale (1922–2006), best known for his Quatermass television serials. Kneale illustrated the covers for Penguin Books' releases of his elder brother's Quatermass scripts in 1960. He was also responsible for a painting of a lobster from which BBC special effects designers Bernard Wilkie and Jack Kine drew their inspiration for the Martian creatures they constructed for Quatermass and the Pit (1958–59).
He currently lives in London.

On June 20 is the birthday of

Konstantin Yegorovich Makovsky (Константин Егорович Маковский), Russian painter born in Moscow on June 20 [O.S. July 2] 1839.
Many of his historical paintings, such as The Russian Bride's Attire (1889), showed an idealized view of Russian life of prior centuries. He is often considered a representative of Academic art.
In 1851 Makovsky entered the Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture where he became the top student, easily getting all the available awards. His teachers were Karl Bryullov and Vasily Tropinin. Makovsky's inclinations to Romanticism and decorative effects can be explained by the influence of Bryullov.
Although art was his passion, he also considered what his mother had wanted him to do. He set off to look for composers he could refer to, and first went to France. Before, he had always been a classical music lover, and listened to many pieces. He often wished he could change the tune, or style of some of them to make them more enjoyable. Later in his life it came true.
In 1858 Makovsky entered the Imperial Academy of Arts in Saint Petersburg. From 1860 he participated in the Academy's exhibitions with paintings such as Curing of the Blind (1860) and Agents of the False Dmitry kill the son of Boris Godunov (1862). In 1863 Makovsky and thirteen other students held a protest against the Academy's setting of topics from Scandinavian mythology in the competition for the Large Gold Medal of Academia; all left the academy without a formal diploma.
Makovsky became a member of a co-operative (artel) of artists led by Ivan Kramskoi, typically producing Wanderers paintings on everyday life (Widow 1865, Herring-seller 1867, etc.). From 1870 he was a founding member of the Society for Traveling Art Exhibitions and continued to work on paintings devoted to everyday life.
A significant change in his style occurred after traveling to Egypt and Serbia in the mid-1870s. His interests changed from social and psychological problems to the artistic problems of colors and shape.
In the 1880s he became a fashioned author of portraits and historical paintings. At the World's Fair of 1889 in Paris he received the Large Gold Medal for his paintings Death of Ivan the Terrible, The Judgement of Paris, and Demon and Tamara. He was one of the most highly appreciated and highly paid Russian artists of the time. Many democratic critics considered him as a renegade of the Wanderers' ideals, producing (like Henryk Siemiradzki) striking but shallow works, while others see him as a forerunner of Russian Impressionism.
Makovsky was killed in 1915 when his horse-drawn carriage was hit by an electric tram in Saint Petersburg.

On June 21 is the birthday of

Henry Ossawa Tanner, American artist born in 1859, and the first African-American painter to gain international acclaim.
Tanner moved to Paris in 1891 to study, where he continued to live after being accepted in French artistic circles. His painting entitled Daniel in the Lions' Den was accepted into the 1896 Salon, the official art exhibition of the Académie des Beaux-Arts in Paris.
After his own self-study in art as a young man, Tanner enrolled in 1879 at the Pennsylvania Academy of the Fine Arts in Philadelphia. As the only black student, he became a favorite of the painter Thomas Eakins, who had recently begun teaching there. Tanner made other connections among artists, including Robert Henri. In the late 1890s he was sponsored for a trip to Palestine by Rodman Wanamaker, who was impressed by his paintings of biblical themes.
Tanner is often regarded as a realist painter, focusing on accurate depictions of subjects. While works such as The Banjo Lesson were concerned with everyday life as an African American, Tanner later painted themes based on religious subjects, for which he is now best known. It is likely that Tanner's father, a minister in the African Methodist Episcopal Church, was a formative influence for him.
Tanner's body of work is not limited to one specific approach to painting and drawing. His works vary from meticulous attention to detail in some paintings to loose, expressive brushstrokes in others. Often both methods are employed simultaneously. The combination of these two techniques makes for a masterful balance of skillful precision and powerful expression. Tanner was also interested in the effects that color could have in a painting. Many of his paintings accentuate a specific area of the color spectrum.
He died in 1937.

On June 22 is the birthday of

Wangechi Mutu, artist and sculptor born in Nairobi, Kenya, in 1972, who lives and works in Brooklyn, New York. Mutu is considered by many to be one of the most important contemporary African artists of recent years.
She was educated at Loreto Convent Msongari (1978–1989) and later studied at the United World College of the Atlantic, Wales (I.B., 1991). Mutu moved to New York in the 1990s, focusing on Fine Arts and Anthropology at The New School for Social Research and Parsons School of Art and Design. She earned a BFA from Cooper Union for the Advancement of the Arts and Science in 1996, and then received a master's degree in sculpture from Yale University in 2000.
Her first solo exhibition at a major North American museum opened at the Art Gallery of Ontario in March 2010. Her first U.S. solo exhibition, Wangechi Mutu: A Fantastic Journey in the United States opened at Nasher Museum of Art on 21 March 2013. A Fantastic Journey subsequently traveled to the Brooklyn Museum's Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art in October 2013.
On 23 February 2010, Wangechi Mutu was honoured by Deutsche Bank as their first "Artist of the Year". The prize included a solo exhibition at the Deutsche Guggenheim in Berlin. Titled My Dirty Little Heaven, the show travelled in June 2010 to the Wiels Center for Contemporary Art in Forest, Belgium.
Wangechi Mutu's work crosses a variety of mediums, including collage, video, performance, and sculpture, and investigates themes of gender, race, and colonialism. A recurring theme of Mutu's work is her various depictions of femininity. Mutu uses the feminine subject in her art, even when the figures are more or less unrecognizable, whether by using the form itself or the texture and patterns the figure is made from. Her use of otherworldly depictions for women, many times shown in a seemingly sexual or sensual pose, brings about discussion of the objectification of women. Specifically, Mutu addresses the hyper-objectification of black female bodies and has used an otherworldly nature to reiterate the fictitious nature of society's depictions of black women
Mutu's work has been exhibited at galleries and museums worldwide.

On June 23 is the birthday of

Robert Hermann Sterl, German painter and graphic artist born in 1867 in Großdobritz, now part of Dresden.
He was the son of a stonemason. From 1881 to 1888, he attended the Dresden Academy of Fine Arts, where he studied under Leon Pohle and Julius Scholtz, later becoming a master student of Ferdinand Pauwels. A stay at the artists' colony in Goppeln near Bannewitz introduced him to impressionism and plein air painting.
After leaving Pauwels' studio, he worked as a landscape painter and portraitist and, until 1904, operated a private painting school for women. In 1893, he became one of the founding members of the Dresden Secession. He was appointed a Professor at the Academy in 1906, where he taught until 1931, and became an associate member of the Berlin Secession in 1909. From 1913 to 1930, he was a member of the Dresdner Galeriekommission and, from 1920, had a seat on the Gallery Advisory Board, both of which positions enabled him to help young artists. When Gotthardt Kuehl died in 1915, Sterl took over his Master Class. During World War I, he worked as a war painter, on the Western Front in 1915 and the southern front in the Dolomites in 1917. After the war, he bought a house in Struppen and built a spacious studio there.
In addition to the usual impressionist subject matter, he painted musicians and workers, especially quarrymen. He was sympathetic to liberal causes, producing many socially conscious works; some of which are set in Russia, where he had travelled briefly before the war. Two of his paintings were labelled "degenerate art" in 1937 and removed from the Galerie Neue Meister. During the GDR years, his works were praised for some of the same reasons the Nazis had condemned them.
He died after a long illness and was buried at his home, bequeathing his estate to the Academy for the purpose of discovering and promoting new artists. The "Robert and Helene Sterl Foundation" was created just before his death in 1931 and, since 1981, the home has been operated as a museum and research facility. Beginning in 1997, the Foundation and related organizations have awarded the "Robert Sterl Prize" to a master student at the Academy. The prize includes €3,000 and an exhibit at the museum.
He died in 1932.

Today, June 24, is the birthday of

Igor Filippov, painter from Sevastopol, Ukraine, born in 1961.
Filippov has exhibited his works at many museums and festivals in Europe (Russia, Ukraine, Norway, Spain, Grermany, France) and the United States. He was also a professor of art at the Municipal Art School, Severodvinsk, Russia (1990–2003). The general theme of his work is "myths of different cultures".
Career
School of Art at University of Education, St. Petersburg, Russia, 1986-1991, MFA
Municipal Art Studio, Severodvinsk, Russia ( 1990-2003)
Union of Arts of Russia (2000)
Member of International Association of Art (2000)
Association Internationale Des Arts Plastiques-IAA AIAP UNESCO (2000)

jueves, 22 de junio de 2017

Louise Ingram Rayner (Pintura, Acuarela)

Louise Ingram Rayner

"El viejo puente Elvet / Old Elvet Bridge, Durham ", acuarela / watercolor, 30,5 x 45,7 cm. Bonhams

Louise Ingram Rayner fue una acuarelista británica nacida en Matlock Bath, Derbyshire, en 1832. Sus padres eran pintores y animaron a todos sus hijos a seguir su ejemplo. Su padre, Samuel, era un acuarelista talentoso y bien conocido que se especializó en temas arquitectónicos e históricos. Había exhibido primero en Londres en 1821, y en 1845 fue elegido como Asociado en la Old Watercolour Society.
Desafortunadamente en 1851 se implicó en un caso serio de fraude, por el que lo condenaron. A consecuencia de ello, fue rechazado por su anteriormente amplio círculo de amistades y expulsado de la Sociedad de la acuarela. No obstante continuó exhibiendo hasta cerca de su muerte en 1874.

"Una vista de Edinburgo / A view of old Edinburgh"
Acuarela con bodycolour / watercolor with bodycolour, 32,5 x 23 cm. Bonhams

"Walmgate Bar, York", acuarela / watercolor, 18 x 28 cm., 1888. Bonhams

Louise Rayner ha representado aquí la puerta del siglo XII y la barbacana del siglo XIV de Walmgate Bar. Estos siguen existiendo hoy sin grandes cambios. La barbacana es la única medieval en un muro de una ciudad en Inglaterra que permanece de pie.
El área de la cubierta y de las azoteas representadas dentro de las paredes en Walmgate ahora se ha despejado y sustituido en gran parte por urbanizaciones de los años 60. Las casas fuera de las paredes de la calle Lawrence han sido demolidas y reconstruidas, o ampliamente renovadas y remodeladas.

Louise Rayner has depicted the 12th century gate and 14th century barbican of Walmgate Bar. These remain largely unchanged now. The barbican is the only medieval barbican on a town wall in England which remains standing. 
The area of housing and roofs depicted within the walls on Walmgate has now been cleared and largely replaced with housing developments of the 1960s. The houses outside the walls on Lawrence Street have been either demolished and rebuilt or extensively renovated and remodelled.

"Una vista de High Cross / A view of the High Cross, Chester"
Acuarela y bodycolour en papel grueso / watercolor and bodycolor on heavy paper, 52 x 52 cm., Bonhams

"Una vista del Castillo de Windsor desde la calle Peascod /
A View of Windsor Castle from Peascod Street"
Acuarela con bodycolour / watercolour with bodycolour, 37,5 x 54,5 cm. Sotheby's

Louise comenzó a dibujar seriamente a los 15 años y más tarde estudió pintura, inicialmente tutorizada por su padre y luego bajo la dirección de una serie de artistas profesionales. Sin embargo su estilo siempre se pareció mucho al de su padre. Primero trabajó con óleos, pero pronto sintió preferencia por la acuarela, y alrededor de los 20 años ya estaba exhibiendo su trabajo regularmente.
En 1851, cuando Louise tenía diez años, la familia se trasladó a Londres y, excepto cuando viajaba, pasó gran parte de su vida allí. A menudo acompañaba a su hermano arquitecto Richard en sus viajes de negocios y pintaba en los lugares que visitaban mientras él se encontraba con sus clientes. Como resultado, Louise viajó mucho, tanto por su país como por el norte de Francia. Lo que más disfrutaba era visitar las viejas ciudades catedralicias y los mercados populares, y además de sus escenas de las calles de Chester, también se la conoce localmente por sus vistas de Londres, Hastings, Salisbury, Tewksbury, Warwick, Edimburgo, Wrexham y Shrewsbury.

"Broad Street, Bristol"
Acuarela y bodycolour / watercolour and bodycolour. 49,5 x 33 cm., c.1924, Bonhams

Hacia 1865 se había trasladado a Chester, donde pasó muchos años trabajando y enseñando pintura. Se alojó en la casa de Robert Shearing (que era dueño de una farmacia en Watergate Street) y su esposa Mary Anne, en 2 Ash Grove, en lo que entonces era una apartada localidad rural fuera de la ciudad. Todavía existe hoy y sigue siendo una buena casa en una encantadora y tranquila calle residencial en el área de Westminster Park, justo al lado de la concurrida A483 Chester-Wrexham Road.
En 1910, junto con su hermana Margaret, que se había alojado con ella por un tiempo en Chester, se trasladaron a Tunbridge Wells. Cuando Margaret murió en 1920, Louise se mudó por última vez a Southwater Road, St. Leonard's-on-Sea, Sussex, y murió allí el 8 de octubre de 1924, a los 92 años. Nunca se casó.

"The Cross, vista hacia la calle Watergate / looking towards Watergate Street", Chester
Acuarela / watercolor, 52 x 75,5 cm. Bonhams

«Cada una de las obras de Louise Rayner es una obra de amor, cuidadosamente dibujada y admirablemente acabada, que resplandece como una hermosa joya. En sus interiores de grandes iglesias antiguas, de tonos profundos, ha elaborado una especialidad propia. Pero es igualmente feliz en suaves paisajes devonianos, pintorescos pueblos antiguos, vistas de la ciudad, antiguos portales, antiguas calles altas... Parece que se demora con curiosidad en singulares trozos de pavimento, paredes de musgo, ventanas de pisos, históricos muebles de roble, grupos de ciudadanos iluminados por el sol, fachadas y letreros de tiendas del siglo XVIII o Tudor, transcribiéndolos pacientemente e iluminándolos con claros y brillantes efectos atmosféricos. Ella puede ser minuciosa sin perder la amplitud, y brillar sin ningún atisbo de estridencia.» Ellen Clayton

"Catedral de Durham desde el puente Framwellgate, con figuras en primer plano /
Durham Cathedral from Framwellgate bridge, with figures to the foreground"
Acuarela y bodycolour / watercolour and bodycolour, 31 x 52 cm., Bonhams

Durante más de medio siglo Louise fue expositora habitual en la Royal Academy, en la Sociedad de artistas británicos, en la Suffolk Street Gallery, en la British Institution, en la Society of Female Artists, en la Dudley Gallery, en Sociedad de Artistas de Birmingham y la Galería de Arte Walker, en Liverpool. Hoy en día su obra se puede ver en el Museo Ludlow de Shropshire y en la Galería de Arte Williamson en Birkenhead, pero, como se ha observado anteriormente, el espléndido Museo Grosvenor de Chester alberga la mayor colección pública de acuarelas de Louise Rayner (23 en total)

"Calle Eastgate, en Chester desde el este de The Cross, mirando hacia la Eastgate. El hotel Grosvenor a la derecha /
Eastgate Street, Chester, from east of the Cross looking towards the Eastgate. The Grosvenor Hotel on the right"
Acuarela / watercolor, 40,5 x 57 cm. Bonhams

Esta vista de la próspera calle comercial principal de Chester muestra el Grosvenor Hotel, diseñado por Thomas Mainwaring Penson. El Talbot Inn estaba anteriormente en este sitio. En 1777 se agregaron nuevas salas de sesiones a la Posada de Talbot por suscripción pública, y en 1785 fue reconstruido en una escala suntuosa como Hotel Real. El hotel fue renombrado The Grosvenor Hotel después de la remodelación de 1863-66. A la izquierda se puede ver la fachada clásica del actual Banco NatWest.
El punto de vista elevado de esta pintura, que hace de Eastgate el foco de la composición, es inusual en la obra de Rayner. El Eastgate fue reconstruido en 1768-9, pagado por Richard, lord Grosvenor, y sustituyó una puerta de enlace defensiva medieval de cuatro pisos que estaba rematada con almenas.

This view of the prosperous main shopping street of Chester shows The Grosvenor Hotel, designed by Thomas Mainwaring Penson. The Talbot Inn was previously on this site. In 1777 new assembly rooms were added to the Talbot Inn by public subscription, and in 1785 it was rebuilt on a lavish scale as the Royal Hotel. The hotel was renamed The Grosvenor Hotel after the redevelopment of 1863-66. On the left can be seen the classical facade of the present-day NatWest Bank. 
The elevated viewpoint for this painting, which makes the Eastgate the focus of the composition, is unusual in Rayner's work. The Eastgate was rebuilt in 1768-9, paid for by Richard, Lord Grosvenor, and replaced a four storied medieval defensive gateway which was topped with battlements.

"Fish Street, Shrewsbury", acuarela / watercolor, 39 x 26 cm., Bonhams

Louise Ingram Rayner was a British watercolour artist born in Matlock Bath, Derbyshire, in 1832.
Both of her parents were painters and they encouraged all of their children to follow their example. Her father, Samuel, was a talented and well-known watercolourist who specialised in architectural and historical subjects. He had first exhibited in London in 1821 and in 1845 was elected an Associate of the Old Watercolour Society. 
Unfortunately, in 1851 he became involved in a serious fraud case, for which he was convicted and afterwards was shunned by his previously wide circle of artist friends and expelled from the Watercolour Society. He nontheless continued to exhibit until near his death in 1874.

"Fuerte en West Bow, Edinburgo / Fort at the West Bow, Edinburgh"
Acuarela y aguada / watercolor and gouache, 54,5 x 37,5 cm. Bonhams

"La calle Bridge, Chester, mirando al norte hacia la Iglesia de San Pedro. A la izquierda, las 'Casas holandesas' /
Bridge Street, Chester, looking north towards the St. Peter's Church. On the left 'The Dutch Houses'"
Acuarela / watercolor, 37,5 x 58 cm. Bonhams

Esta bulliciosa vista de la calle Bridge, cuando era una de las principales arterias de Chester, está dominada por la torre de la iglesia de San Pedro y la torre flamenca de estilo gótico del Ayuntamiento. El ayuntamiento, en la Calle de Northgate, fue diseñado por Guillermo Henry Lynn y construido 1865-69, y fue modelado en base al Cloth Hall en Ypres. Este sustituyó la Sala Común, o Sala de Intercambio, construida en 1695-98, que ardió en 1862.
Las casas holandesas están en el lado oeste de la Calle del Puente, y fueron construidas a mediados del siglo XVII, probablemente justo después de la Guerra Civil.

This bustling view of Bridge Street, when it was one of Chester's main thoroughfares is dominated by the tower of St Peter's Church, and the Flemish gothic style tower of the Town Hall. The Town Hall, Northgate St, was designed by William Henry Lynn and built 1865-69, and was modelled on the Cloth Hall at Ypres. This replaced the Common Hall or Exchange Hall, built 1695-98, which had burnt down in 1862.
The Dutch Houses are on the west side of Bridge Street, and were built during the mid-17th century, probably just after the Civil War. 

"Casa John Knox, Edinburgo / John Knox's House, Edinburgh"
Acuarela y bodycolour / watercolour and bodycolour, 32 x 46,5 cm. Bonhams

Louise had started drawing seriously by the age of 15 and later studied painting, initially tutored by her father and then under a series of professional artists. Her style, however, would always closely resemble that of her father. She first worked in oils but soon found a preference for watercolour and by the age of 20 was regularly exhibiting her work.
In 1851, when Louise was ten, the family moved to London and, except when travelling, she spent much of her life there. She would often accompany her architect brother Richard on his business trips and paint in the places they visited while he was meeting his clients. As a result, Louise was widely travelled, both in this country and in northern France. She most enjoyed visiting old cathedral cities and market towns, and in addition to her Chester street scenes, she is also locally known for her views of London, Hastings, Salisbury, Tewksbury, Warwick, Edinburgh, Wrexham and Shrewsbury.

 "Ludlow", acuarela / watercolour, 33,5 x 51 cm. Bonhams

"Stonegate, York", acuarela con trazas de lápiz y realzado con blanco /
watercolour with traces of pencil and heightened with white, 16,5 x 9 cm. Bonhams

By 1865 she had moved to Chester and spent many years working and teaching painting here. She lodged at the home of Robert Shearing (who owned a chemist's shop in Watergate Street) and his wife Mary Anne at 2 Ash Grove, in what was then a secluded rural location outside the city. It still exists today and remains a fine house in a charming, quiet residential street in the Westminster Park area, just off the busy A483 Chester-Wrexham Road.
In 1910, she and her sister Margaret, who had lodged with her for a time in Chester, moved to Tunbridge Wells. When Margaret died, in 1920, Louise moved for the last time to Southwater Road, St Leonard's-on-Sea, Sussex, and died there on 8th October 1924, aged 92. She never married.

"La Puerta Este, en / The East Gate at Warwick"
acuarela realzada con bodycolour / watercolour heightened with bodycolour, 24 x 17 cm. Bonhams

"The Edgar Inn, Shipgate Street, Chester"
Acuarela y bodycolour sobre papel grueso / watercolor and bodycolor on heavy paper, 34,5 x 52 cm. Bonhams

«Each of Louise Rayner’s works is a labour of love, carefully drawn and admirably finished, sparkling like a beautiful gem. In her deep-toned interiors of grand old churches, she has worked out a speciality of her own. But she is equally happy in soft Devonian landscapes, quaint picturesque old towns, city views, antique gateways, ancient High Streets; she seems to linger fondly over curious bits of pavement, moss-grown walls, storeyed windows, historic oak furniture, sunlighted groups of citizens, eighteenth-century or Tudor shop fronts and signboards, patiently transcribing and illuminating them with clear or brilliant atmospheric effects. She can be minute without loss of breadth, and glowing without any touch of garishness.» Ellen Clayton

"The High Street, Salisbury", acuarela y gouache / watercolour and gouache, 32,5 x 26 cm. Bonhams

"Feria de caballos, Calle Foregate / The horse fair, Foregate Street, Chester"
Acuarela y bodycolour / watercolour and bodycolour, 46 x 73 cm. Bonhams

La feria del caballo en la calle de Foregate era el último remanente de las ferias tradicionales de Chester que tenían lugar en las calles. La presión de los tenderos había obligado a las ferias ganaderas a salir de las calles y a entrar en mercados especializados, y el desarrollo de mayoristas y minoristas a lo largo del siglo XIX había hecho que la feria de telas fuera obsoleta.
Las ferias del caballo continuaron en la calle Foregate hasta aproximadamente 1880, cuando cesaron debido a la presión de los minoristas de la calle, para quienes era muy perturbador para el comercio y los conductores de tranvía, para quienes la presencia de numerosos caballos bloqueaba las líneas.
Chester también llevó a cabo una feria del queso que vendía los quesos locales de Cheshire. Esta feria estaba en declive en los 1870s-90s, pero continuó después de 1900 cuando alternó anualmente con la feria del queso de Whitchurch.
En este cuadro Louise Rayner ha utilizado una gama de efectos para crear un paisaje de calle convincente. La artista ha ampliado y acortado Foregate Street para que el Eastgate conserva su impacto al final de la vista. La torre de la iglesia de San Pedro y la torre del Guildhall se pueden vislumbrar en la distancia.

The horse fair in Foregate Street was the last remaining of Chester's traditional fairs held in a street. Pressure from shopkeepers had forced livestock fairs off the streets and into specialised markets, and the development of wholesalers and retailers through the 19th century had made the cloth fair obsolete.
Horse fairs continued in Foregate Street until about 1880 when it ceased due to pressure from the street's retailers, for whom it was highly disruptive for trade and the tram drivers for whom the presence of numerous horses blocked the lines of the newly laid horse drawn trams.
Chester also held a cheese fair which sold the local Cheshire cheese. This fair was in decline in the 1870s-90s, but continued after 1900 when it alternated annually with the Whitchurch cheese fair.
In this picture Louise Rayner has used a range of effects to create a convincing streetscape. The artist has broadened and foreshortened Foregate Street so that the Eastgate retains its impact at the end of the view. The tower of St Peter's Church and spire of The Guildhall can be glimpsed in the distance.

"The Poultry Cross, Salisbury"
Acuarela realzada con bodycolour / watercolour heightened with bodycolour, 39,5 x 58 cm. Bonhams

For over half a century, Louise was a regular exhibitor at the Royal Academy, the Old and the New Watercolour Societies, the Society of British Artists, Suffolk Street Gallery, the British Institution, the Society of Female Artists, the Dudley Gallery, the Birmingham Society of Artists and the Walker Art Gallery, Liverpool. Today, her work can be seen at the Ludlow Museum in Shropshire and the Williamson Art Gallery in Birkenhead but, as previously observed, Chester’s own splendid Grosvenor Museum houses the largest public collection of Louise Rayner’s watercolours– 23 in all.

"Niña alimentando palomas en un patio, con un chico en los escalones /
Girl feeding doves in a courtyard with boy on steps"
Aguada y acuarela / gouache and watercolor, 56 x 66 cm. Bonhams

Esta es una obra de Samuel, Margaret o Nancy Rayner. Samuel Rayner desarrolló un muy distintivo estilo de pintar mampostería, como puede verse en este cuadro. Él enseñó a sus cinco hijas y a su hijo a pintar, y ellos adoptaron esta técnica. Louise Rayner la refinó y utilizó un efecto particular como fondo en sus escenas urbanas.

This painting is the work of either Samuel, Margaret or Nancy Rayner. Samuel Rayner developed the highly distinctive style of painting masonry, as seen in this painting. He taught his five daughters and son to paint, and they adopted this technique. Louise Rayner refined this technique and used it to particular effect as a backdrop in her street scenes.

"Calle Watergate, Chester, vista este hacia The Cross. La Puerta Este en la distancia y la Casa del Obispo Lloyd a la derecha /
Watergate Street, Chester, looking east towards the Cross. The Eastgate in the distance and Bishop Lloyd's House on the right"
Acuarela / watercolor, 45 x 60 cm. Bonhams
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Fuentes / Sources:
* Louise J. Rayner (1832-1924), Dudley Mall
* L.R. Paintings of Chester, Chester, A Virtual Stroll Around the Walls

Louise Rayner en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (LXXIV)]

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